rentrée 2015
le séminaire se transforme et devient gestes ambigus, coordonné par Valérie Boudier et Anne Creissels
séance du vendredi 12 juin 2015
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Christine Vial-Kayser, conservatrice du patrimoine, chercheur associé à Paris 1- Hissa, et enseignante à l'Institut catholique de Paris, travaille sur l'art contemporain global, mais surtout sur l'Asie, s'intéressant notamment aux problématiques de la construction des subjectivités à travers le corps, les objets, les images, christine.vialkayser(at)gmail.com
« Shilpa Gupta, le geste artistique comme réparation métaphorique de la séparation des peuples »
Shilpa Gupta (b. 1976) est une artiste contemporaine indienne vivant à Mumbai. Ses installations mélangent un cadre conceptuel solide avec des éléments sensoriels, mnémoniques et corporels. Beaucoup de ses œuvres sont liées à la relation avec l'autre, et le Pakistan est l'un de ces "autres" implicites ou explicites. La raison, dit-elle, est que son enfance a été marquée par la violence intercommunautaire. Son travail est en quelque sorte consacré à réparer cette lacune de la compréhension de l'autre. Par un ensemble de travaux relatifs à la frontière avec le Pakistan, elle tente de rappeler métaphoriquement ou manifester la pulsation de la vie, que ce soit à travers des œuvres
liées aux vaches qui paissent dans les no-man’s land ou une performance de broderie sur une bande de tissu qui redessine la ligne dite Radcliffe, la frontière conçue à la hâte par le Raj britannique afin de séparer les deux pays en 1947.
1:14.9, 2011–12. Polyester thread, wood, glass, and brass, (163 × 55.9 × 50.8 cm), A.P. 1/2, edition of 3.
Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Guggenheim UBS MAP Purchase Fund, 2012, 2012.148. © Shilpa Gupta. Installation view: No Country: Contemporary Art for South and Southeast Asia, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, February 22–May 22, 2013. Photo: Kristopher McKay
séance du vendredi 29 mai 2015
Photographe, Elsa Laurent conduit depuis plusieurs années des ateliers de pratique photographique dans le cadre du dispositif interministériel "Culture à l'hôpital" mise en œuvre par la DRAC et l'ARS.
Jocelyne Vaysse est docteur en Médecine (Psychiatrie) et Docteur en Psychologie, HDR, auteure de La Danse-thérapie, Histoires, Techniques, Théories, Ed. L’Harmattan, 2006, jocelynevaysse(at)orange.fr
Jocelyne Vaysse est docteur en Médecine (Psychiatrie) et Docteur en Psychologie, HDR, auteure de La Danse-thérapie, Histoires, Techniques, Théories, Ed. L’Harmattan, 2006, jocelynevaysse(at)orange.fr
« Arrêt sur images : regards croisés sur la danse et le soin »
L’univers de la folie croise l’univers de la danse…
Il s’agit d’un double témoignage à partir d’"images"prises sur le vif au sein d’activités-danse en psychiatrie : celles d’une photographe (Elsa Laurent) qui assiste à un groupe d’expression corporelle mené par une danseuse et celles d’un médecin - danse-thérapeute (Jocelyne Vaysse) qui capte quelques instantanés au cours de séances de mouvements dansés à visée thérapeutique.
Ces photos, bien que « arrêt sur image », suggèrent la dynamique qui y règne, les expériences sensibles de ces patients hospitalisés et les corps ordinaires en état de danse. Les expressions spontanées, improvisations, attitudes libérées et rythmées, élans d’énergie… révèlent la force créative émergente, l’émotion présente, les interactions empathiques… très loin des clichés trop souvent péjoratifs accolés à la maladie mentale et au handicap psychique.
De plus, au décours d’une séance, les échanges verbaux habituels entre patients et intervenants sont riches en élaboration, aident à l’ancrage dans la réalité et au retour à la vie socialisée. Il s’agit aussi de discuter de l’esthétique captée par la photographe et du travail soignant à l’œuvre menée par la thérapeute.
Si ces photos « parlent » sans passer par les mots, elles alimentent aussi des discussions et réflexions sur la portée de l’art - dont la danse - en tant que participation effective et complémentaire aux soins proposés (médicaments, entretiens, atelier d’art-thérapie dont la photo, la musique, la peinture…).
La présence d’artistes non thérapeutes à l’Hôpital, CMP, Foyer… est aujourd’hui acceptée mais surtout sollicitée, l’institution se portant alors garante du cadre contenant de l’atelier, attentive à ses effets au plan de la santé.
"Pendant des mois, Elsa Laurent, photographe, a suivi le travail accompli, sous la direction d’une intervenante et d’une chorégraphe, par des patients internés en psychiatrie. Les images qui en résultent ouvrent donc notre regard sur trois champs d’investigation distincts, qui entrent ici en résonance et en interaction : celui de l’esthétique photographique, celui de la danse contemporaine et celui d’un projet thérapeutique. Dans le geste photographique va se nouer un rapport du physique au mental, qui engage autant la question de la folie que celle de la création chorégraphique."
Des corps en tension, ou détendus par l’intensité d’un travail de long terme ; des visages concentrés ou flottants. Une volonté d’abandon qui devient, par la magie de la danse, le contraire du délaissement auquel ils ont été précédemment soumis.
C’est à repenser ces paradoxes, et à les mettre en images, que vise ici la photographie."
Extrait du texte de Christiane Vollaire sur le travail d’Elsa Laurent, Avril 2012
Extrait du texte de Christiane Vollaire sur le travail d’Elsa Laurent, Avril 2012
séance du vendredi 17 avril 2015
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| XL Pleasures |
Pierre Larauza est un artiste pluridisciplinaire (plasticien, architecte, scénographe, metteur en scène et réalisateur) impliqué dans des projets collectifs et individuels dans les domaines des arts visuels, des arts vivants, de l’architecture et du cinéma. Pierre est co-fondateur et directeur artistique depuis 2003 de t.r.a.n.s.i.t.s.c.a.p.e dont les spectacles et films expérimentaux sont diffusés dans le monde entier.
Nourries d’un dialogue intime entre phénomènes urbains, arts plastiques et chorégraphie, ses créations proposent des dispositifs scénographiques hybrides présentés sur scène ou dans l'espace urbain. Parallèlement à ses créations, il s’associe à des projets multiculturels et développe une démarche pédagogique. www.pierrelarauza.net, pierre(at)transitscape.net
t.r.a.n.s.i.t.s.c.a.p.e croise et confronte la danse, les arts plastiques et le cinéma dans des pièces chorégraphiques et des films de danse. Créé en 2003 à Hong Kong par l’artiste Pierre Larauza et la chorégraphe-danseuse Emmanuelle Vincent, t.r.a.n.s.i.t.s.c.a.p.e est basé à Bruxelles depuis 2004. Leurs créations scéniques et leurs performances urbaines s’inscrivent dans un rapport particulier à l’espace de représentation. Parallèlement à leurs créations, ils s’associent à des projets multiculturels et ont une démarche pédagogique à travers des workshops ou leur école de danse La Confiserie.
séance du vendredi 20 mars 2015
« Bas les masques! Le butô comme chamanisme contemporain »
Le butô cherche la naissance du mouvement et du son, surgissement des origines via la matière chair, souffles de vie nés de l'urgence d'Être.
On questionnera cette pratique dans une perspective historique et anthropologique, mettant en évidence le rôle paradoxal du masque, les liens du butô avec le chamanisme mais aussi avec les pratiques performatives et les écrits occidentaux.
À travers ce parcours, le butô apparaîtra dans sa complexité, ses ramifications multiples et son insaisissable nature.
Le rapport au public sera en particulier interrogé.
On questionnera cette pratique dans une perspective historique et anthropologique, mettant en évidence le rôle paradoxal du masque, les liens du butô avec le chamanisme mais aussi avec les pratiques performatives et les écrits occidentaux.
À travers ce parcours, le butô apparaîtra dans sa complexité, ses ramifications multiples et son insaisissable nature.
Le rapport au public sera en particulier interrogé.
séance du vendredi 20 février 2015
Antonella Poli, doctorat en philosophie à l’EHESS, chercheure en danse, membre de l’ACD, journaliste, fondatrice de la revue on-line Notedidanza.fr, antonella.poli(at)notedidanza.fr
« Danse et mémoire »
Le questionnement sur les rapports entre danse et mémoire a été depuis plusieurs années au centre des débats d’historiens, chorégraphes et interprètes.
Comment pourrait-on mettre fin à la rhétorique qui considère la danse comme un art éphémère ? Quels pourraient être les facteurs déterminants et les outils pour faire reconnaître à juste titre la danse comme art vivant ?
Cédric Andrieux et Véronique Doisneau de Jérôme Bel et la Cinquième Position d’Andrea Sitter peuvent constituer une base de réflexion pour découvrir la vision de ces deux artistes autour du thème de la transmission.
séance du vendredi 23 janvier 2015
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| anne creissels / compagnie a + b objet danse la découpe des culottes, une performance théorique Fondation d'entreprise Ricard, 22 septembre 2014 programme Partitions performances proposé par Christian Alandete |
« Incorporer le savoir : gestes de délivrance »
Qu’est-ce que le savoir fait au corps ? Qu’est-ce que le corps fait au savoir ? Le savoir a-t-il un corps, un sexe ? Peut-il s’incorporer ? Incorporer le savoir, incorporer la théorie, ne serait-ce en altérer l’autorité et modifier les conditions de sa réception ? Qu’en est-il de la place et du statut du corps, en particulier féminin, dans l’acte de langage et vis-à-vis du savoir ?
Face aux mythes et images qui structurent nos identités, comment penser une "délivrance" du savoir qui passerait par le corps ? Et quelle place le geste tient-il dans cet imaginaire des corps ?
séance du vendredi 12 décembre 2014
Biliana Fouilhoux, Maître de conférences en danse à l'université de Lille
« Quelles temporalités et spatialités interactives dans Now de Caroline Carlson et Souterrain de Myriam Gourfink (zoom sur le contact et l'image du corps)? »
Les terrains immersifs (practiced based dance research, cf. bilianamitate.blogspot.fr sur les processus de création de Souterrain dans le cadre du projet Labodanse (labodanse.org), en collaboration avec Myriam Gourfink, et de Now au Théâtre de Chaillot, résidence bi-annuelle pour Carolyn Carlson, m'ont offert une riche traversée d'états de corps multiples (entraînement avec les danseurs/es des compagnie) et des questions partagées :
Temporalités et spatialités interactives
Quelles expériences du temps incarné et de l'espace subjectives, par la mise en mouvement de corporéités spécifiques et de création singulières, se manifestent à travers ces écritures chorégraphiques ?
Contact et image du corps
Dans les deux pièces le contact est minutieusement chorégraphié : par des partitions d'inspiration labanienne et un travail sur les sens subtil (yoga de l'énergie) par Myriam ; par des projets dramaturgiques tissés sur le principe de stream of consciousness en images associatives par Carolyn.Comment est-ce que cela fonctionne et quelles modifications de la perception de soi en termes de body image apparaissent à travers des études de dessins, entretiens, observations et témoignages croisés ?
séance du vendredi 20 juin 2014
Stéphanie Herfeld, vidéaste et chercheuse indépendante, a étudié les arts plastiques au Central Saint Martins College of Art and Design à Londres et a obtenu un master mention ‘Art et langage’ à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales, gsvv(at)fefeld.com
« Voir et se mouvoir : la performance des images de Marie Menken »
La vidéodanse ou la screendance puise ses origines dans les films de l’avant garde européenne, la comédie musicale, le cinéma expérimental de Maya Deren, et les films de danseurs tels que ceux de Amy Greenfield.
Si cette pratique pluridisciplinaire implique toujours d’une manière ou d’une autre le corps dansant dans l’image, on peut aussi considérer, dans son contexte, les images mouvantes sans figure corporelle qui fonctionnent sur un paradigme chorégraphique et qui naissent de la performance gestuelle du cinéaste.
séance du vendredi 23 mai 2014
Notoirement connue comme chorégraphe, Pina Bausch était aussi, et surtout, danseuse. Nous tenterons ensemble d'ouvrir notre regard sur la qualité du geste bauschien, d'en esquisser une analyse et d'en soulever les enjeux esthétiques.
Nous le ferons à partir de la lecture d'extraits vidéos mais également à partir d'une pratique d'atelier très simple qui accompagnera cette proposition.
séance du vendredi 18 avril 2014
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Franck Boulègue et Marisa C. Hayes sont les fondateurs et co-directeurs du Festival International
de Vidéo Danse de Bourgogne (www.videodansebourgogne.com) ainsi que de la compagnie Body
Cinéma (www.bodycinema.com). Leur travail est principalement consacré à la danse pour la
caméra, une pratique hybride pour laquelle ils ont reçu le prix Susan Braun de la New York Dance
Films Association/Dance on Camera Festival, ainsi que d'autres récompenses. Leurs publications
sur l'histoire de la danse, de la vidéo danse, et du cinéma sont incluses au sein de divers livres et
journaux de recherche en France, aux Etats-Unis, et au Royaume-Uni. Ils témoignent tous deux d'un
intérêt particulier pour le patrimoine du ballet Le Sacre du printemps à travers l'histoire.
« Sacre/ilège(s) – Le Sacre du printemps - un projet de vidéo danse collective qui rend
hommage au centenaire du Sacre du Printemps, en le revisitant sous l'angle de cette
discipline »
Les 5 films du projet Sacre/ilège(s), regroupant 65 artistes en provenance de 25 pays différents,
visent à rendre hommage comme il se doit au premier centenaire du Sacre du Printemps, l’oeuvre
séminale de Vaslav Nijinsky (chorégraphie) et d’Igor Stravinsky (musique). Cette oeuvre
révolutionnaire, montée à l’origine par les Ballets Russes en 1913, a été réinterprétée à de multiples
occasions sur scène, et ce par les plus grands chorégraphes – de Mary Wigman à Pina Bausch, en
passant par Maurice Béjart et Jean-Claude Galotta, entre autres. Le Sacre du Printemps, en
revanche, n’avait pas encore donné lieu à de relecture exclusivement destinée à l’univers du cinédanse.
C’est ce à quoi nous avons souhaité remédier avec ce projet, initié et porté par la compagnie
Body Cinéma et le Festival International de Vidéo Danse de Bourgogne.
Cette présentation du projet s'agencera autour d'extraits du film et examinera en quoi consiste un
pareil travail collectif. Elle abordera également la question de la collaboration internationale autour
des outils numériques et virtuels, ainsi que l'évolution du Sacre du printemps au travers de la vidéo
danse : la réinvention de ses thèmes pour l'écran à l'aide de styles cinématographiques et
chorégraphiques très divers, tels que les motifs du cercle et des cycles, de la nature, de la place des
individus au sein d’un groupe, etc.
séance du vendredi 21 mars 2014
Iaro Râsoma est danseuse, chorégraphe et fondatrice de la Somapoétique®, une approche de conscience du mouvement par la danse et la littérature. Elle dirige BARE (Body & Arts Research Experiment) Centre d’Art Expérimental du Mouvement dédié à la recherche-création et à la transmission de la danse Somapoétique®. Son désir de défricher les zones inconscientes du corps la conduisent ainsi à développer son travail sur les processus intuitifs en jeu dans la naissance du mouvement, à partir d’un travail de recherche portant sur la naissance du Verbe au coeur de l’expérience corporelle. contact(at)bare-dance.com
« La somapoétique® : une pensée de l'être en mouvement »
Qu’est-ce que la Somapoétique® ? Un mot qui résonne comme un déjà-vu et pourtant l’apparente consonance ne fait
tic qu’à ceux qui s’intéressent à ces étranges manifestations du corps ou du "somatique"… Et nous répondrons le Verbe acéré à
tous les travers de la langue, qu’une pensée en mouvement est née des amours irréversibles de la poésie comme danse des mots
et de la danse comme poésie des corps.
Selon une double focale kinesthésique et chorégraphique, la Somapoétique® propose d’approcher une voie de
réunion de l’Être, au coeur du corps en mouvement. À travers une lecture ontosymbolique (en grec, onto signifie Être et sumbolon
veut dire relier, unir) de l’écriture littéraire, il s’agit d’aborder le processus symbolique à l’oeuvre dans les textes, vers l’intériorité du
corps créateur. L’ontosymbolisme est une approche de lecture des textes littéraires, pour découvrir les modalités de l’Être ou de
Soi, au coeur du corps.
L’auteur abordera comment la Somapoétique®, basée sur une conscience intuitive du mouvement, permet de "lire" un texte en mouvement et ouvre de nouvelles dimensions chez le "danseur-interprète" comme moyen de corps-naissance de Soi
(du corps naît le sens/naître avec le corps). Cette présentation aborde l’état de cette recherche actuelle entre rigueur, mouvement,
expérimentation et intuition.
séance du vendredi 21 février 2014
« La Politique du discours dans les formes d'art hybrides »
Cette intervention s'appuiera sur une pratique artistique internationale en pleine croissance connue sous le terme de vidéo danse (également connue sous le termes de screendance en anglais, mais aussi de danse pour la caméra, de film de danse, etc).
En 2010, un groupe international de chercheurs composé d'artistes, de critiques, de chercheurs et d'activistes a lancé le premier journal de recherche entièrement consacré à la vidéo danse. intitulé “International Journal of Screendance”, publié par Parallel Press, Wisconsin-Madison, aux Etats-Unis, et produit en collaboration avec l'University of Brighton au Royaume-Uni. Le journal est une plateforme de débat pour une pratique artistique internationale qui est interdisciplinaire et qui possède une longue histoire, qui remonte à l'avènement du cinéma lui-même, mais qui est peu publiée dans un contexte académique ou critique. Les contributions au journal emploient une critique rigoureuse, fondée sur des méthodologies pré-existantes ainsi que sur d'autres méthodologies qui demeurent encore à articuler, en provenance des domaines de la danse, de la performance, des arts plastiques, du cinéma et des arts médias, et qui s'appuient sur leurs pratiques, leurs technologies, leurs théories et leurs philosophies.
Claudia Kappenberg, rédactrice de “l'International Journal of Screendance”, présentera le journal et analysera la quête d'identité dans les formes d'art hybrides telles que le cinéma expérimental, la performance et la vidéo danse, et leurs oscillations entre la confirmation de frontières et le croisement des disciplines. Cette présentation s'appuiera sur les discours et les politiques entourant “l'Expanded Cinéma” des années 60 et 70, et affirmera qu'il existe des parallèles convaincants dans le domaine de la vidéo danse. Cette conférence a été donnée pour la première fois lors du “Symposio Pensar la Videodanza III”, Instituto Universitario Nacional del Arte, Buenos Aires, en Argentine.
séance du vendredi 24 janvier 2014
Patrick Gaïaudo, à travers un travail personnel et de collaboration, est engagé dans une recherche théorique (Thèse de doctorat) sur la question de « l’Exposition chorégraphique ». En 2011/2012, il reçoit une Aide à la recherche du Ministère de la Culture (DGCA, CND) pour le projet « Enter the image », soutenu par le Centre Chorégraphique de Montpellier, dans le cadre des Résidences d’écriture et de recherche chorégraphique (ReRc), p.gaiaudo(at)noos.fr
« Loïe Fuller : Généalogie d’une danse qui institue un lieu »
Loïe Fuller institue un lieu, caractérisé par son opposition au tout "montrable", un espace vide de contenu, un espace évidé de toute marchandise identifiable, de tout objet de prédation ou de différenciation. Développant un dispositif de monstration efficace et concurrent à ceux de son temps, elle met en lumière une aspiration au vide, une page blanche, dans une spirale infinie qui s’élève à la force des bras.
Avec un processus de création transfigurant l'appareillage de son époque dans sa mise en scène même, Loïe Fuller ouvre la danse à la modernité d’un art réflexif, tout en questionnant les capacités du mouvement à interroger le réel.
séance du vendredi 20 décembre 2013
Jocelyne Vaysse, auteure de La Danse-thérapie, Histoires, Techniques, Théories, Ed. L’Harmattan, Paris, jocelynevaysse(at)orange.fr
« Mouvements dansés, soins et recherches »
L’utilisation des mouvements dansés à visée soignante incluant la danse-thérapie (DT) prend sa source dans la danse mais s’écarte de sa finalité spectaculaire, technique et performative. Elle bénéficie des courants de la danse, de son aura et d’influences socio-culturelles (danse-transe, danses africaine, traditionnelle, académique, expressionniste, modern’jazz, hip-hop…) et est couplée à des approches psychologiques. S’y ajoutent les apports des techniques "somatiques", de la communication (la motricité - postures, gestes, mimiques - étant une voie majeure d'expression et de régulation des émotions) et d’analyse du mouvement (dynamique Bartenieff ; poids - temps - espace - énergie de l’Effort-Shape de Laban…).
Ces différentes filiations ont façonné sa richesse actuelle, étendue à l’accueil des artistes non thérapeutes dans le cadre des institutions soignantes (Hôpital, CMP…), à l’aspect "auto-soignant" par la pratique de la danse en tant qu’artiste ou amateur face à la maladie, au deuil… .
Cette orientation spécifique de la danse met le corps (dansant) en position d’objet et d'instrument des soins. D’autre part l’accent est mis sur ses ressources, si bien que le handicap (mental, psychique, moteur) n’est pas un obstacle, le recours positif au potentiel du corps éclairant autrement la problématique axée sur les déficits.
La mémoire du corps et les vécus des sujets, les mouvements dansés, émotions, images mentales produits "parlent" sans passer par les mots. Ainsi, les éléments de la danse (rythme, coordination, tonus, relâchement, contact…), l’expressivité via les mouvements spontanés et les improvisations (avec ou sans thème) plus souvent que les mouvements imposés, les expériences motrices (sortir des schémas répétitifs) et les échanges dansés alimentent une séance de DT (avec ou sans musique).
Mais au-delà de cette visibilité, la stimulation interne des processus psychiques est attendue : créativité, changement, imaginaire, empathie, symbolisation via symboles et archétypes… , provoquant une (ré)organisation psychomotrice et suscitant conscientisation, élaboration, estime de soi, résilience.
La diversité actuelle des pratiques permet des réponses appropriées face aux maux psychiatriques, addictifs, somatiques (cancer, Alzheimer, Parkinson…), des enfants aux adultes en souffrance (abusé, torturé, incarcéré, âgé…), en complémentarité et en alliance avec d’autres traitements.
C’est aussi un facteur de (re)socialisation et un accès à un mieux-être dans une démarche de développement personnel.
Enfin, la danse à visée soignante est l’objet de recherches (stress, violence sociale, "counseling"…) quant à l’objectivation de ses résultats et de ses limites.
séance du vendredi 22 novembre 2013
Carine Plancke, docteure en ethnologie et anthropologie sociale, chercheure affiliée au Laboratoire d'anthropologie sociale, Paris, carine.plancke(at)gmail.com
« Danse, créativité et identité. L’exemple de la troupe rwandaise Inganzo Ngari »
Les recherches actuelles en anthropologie de la danse accordent une place prépondérante à la thématique de l’affirmation identitaire dans un contexte de globalisation croissante.
Dans ce séminaire, j’examinerai quelles sont les conséquences sur les performances dansées et leurs processus créatifs de cette emprise d’enjeux identitaires sur fond d’ouverture aux flux interculturels, en prenant l’exemple du Rwanda.
A cet égard, je me concentrerai sur la troupe Inganzo Ngari, qui a été crée en 2006 et qui exemplifie les transformations que manifestent les danses dans ce pays de l’Afrique de l’Est, lequel, dans un mouvement de rupture avec son histoire récente, œuvre à devenir un pays unifié, moderne et développé.
séance du vendredi 21 juin 2013
Léna Massiani, lenamassiani(at)hotmail.com
« Le chorégraphe dans l'espace public : postures et responsabilité »
Après avoir voulu assimiler la vie à l’art, après avoir voulu la représenter et l’exprimer, il semble que les artistes cherchent aujourd’hui à s’immiscer non seulement dans la vie mais dans la vie sociale. Nommées pratiques artistiques participatives par Louis Jacob, celles-ci nous permettent d’interroger la place de l’artiste, et pour ce qui nous concerne celle du chorégraphe, dans l’espace public. Le plus souvent présentées hors des lieux consacrés, ces pratiques favorisent toutes la rencontre, entre artistes et non-artistes, engagées dans un projet commun.
Alors que pour certain il semble difficile d’admettre un transfert de responsabilité de l’artiste au spectateur, pour d’autre, l’espace public étant par nature un espace à partager ne voit là qu’une forme aboutie d'un art dit contextuel (Paul Ardenne).
Quelle place occupe véritablement le chorégraphe lorsque celui-ci intervient dans l'espace public. Comment pouvons-nous dès lors définir d'une part la nature de ce geste dansé particulier et d'autre part la relation qui le lie à l'espace public et par extension au public de ces espaces?
séance du vendredi 17 mai 2013
Cécile Feza Bushidi, doctorante en histoire à la School of Oriental and African Studies/London
University (directeur de thèse: Dr John Parker), cfbushidi(at)gmail.com
« Danse, histoire, et méthodologie : le cas de mwomboko »
Apparue au milieu des années 1920 au sein de l’ethnie Gikuyu qui, majoritairement,
peuplait à l’époque coloniale l’actuelle province Centrale du Kenya, mwomboko est
une danse composée d’au moins six séquences dont certaines incorporent des
mouvements évoquant les danses de couples telles que la valse et le foxtrot.
Mwomboko se danse au son d’un accordéon diatonique, du karĩng’arĩng’a (instrument
formé à partir du noyau métallique d’un volant de direction et dont le son aigu est
émis par la frappe des parois de l’engin circulaire avec une tige métallique), et de
chants. Peter Mũhoro Mwangi (Mwangi 2002, 2006, 2007) et Josiah Ngige-Nguo
(1989) s’accordent sur un aspect central de la sociologie de mwomboko. Selon eux, les
premiers artistes de mwomboko sont des anciens soldats (askari) du regiment colonial
britannique les Kings African Rifles.
Cette danse était très populaire dans les années 1940 auprès des jeunes
hommes (comprenant ces askari) et femmes Gikuyu non-mariés. Beaucoup avaient
entre dix-huit et trente ans. Ces jeunes dansant mwomboko la nuit au pied des vallées
et au bord des rivières qui dessinent les paysages des districts de Nyeri et Murang’a
prirent part à la montée d’expressions anti-coloniales et nationalistes qui s’exprima de
façon plus pressante à cette époque. Depuis l’indépendence du Kenya (1963),
mwomboko est devenue une ‘tradition’ Gikuyu vivante. Dansée par des groupes
culturels Gikuyu à l’occasion des fêtes nationales et festivals culturels, ou incarnant
l’identité culturelle Gikuyu lors de spectacles de danse touristiques, mwomboko est
une danse qui donne un mouvement original à l’histoire des Gikuyu.
L’immense contribution de l’historien John Lonsdale (1968, 1990, 1998,
1999, 2000, 2002, 2003) à l’historiographie Gikuyu, ainsi que les travaux de David
Anderson (2005), Dereck Peterson (1997, 2000, 2004), Mbugua Wa-Mungai (2006,
2008), et Hervé Maupeu (2006, 2007) permettent à mwomboko de converser avec un
vaste ensemble de thématiques proximales et distales à l’histoire des Gikuyu et du
Kenya, et ce, depuis l’époque pré-coloniale jusqu’à nos jours. Ma recherche est une
éthnographie historique qui adopte une approche diachronique. Je considère
mwomboko comme un prisme au travers duquel on peut lire, ‘par le bas’, l’histoire
sociale, culturelle, et politique des Gikuyu depuis les années 1920. Ce projet nécessite
une étude interdisciplinaire sur le croisement entre cette danse de couple/évènement
exécutée en groupe évoluant dans des contextes socio-culturels et politiques en pleine
mutation et ses contextes multiples d’émergence et de développement. Mwomboko
illustre et revisite sous un autre angle des conflits et débats entre personnes de classes
d’âge, de générations, et de genres différents. Elle éclaire sur des formes et logiques
particulières de loisirs et d’expressions identitaires de jeunes politisés et parfois
radicaux. L’utilisation de mwomboko par les nationalistes naviguant entre les villes et
les campagnes comme moyen de sensibilisation politique des masses rurales souligne
le dynamisme des dialogues entre espaces ruraux et urbains pendant l’époque
coloniale. Enfin, toute danse considérée ‘moderne’ à une certaine période pour
ultérieurement rejoindre les traditions locales et nationales demande une analyse des
dimensions culturelles, sociales, et idéologiques de la dichotomie ‘modernité’/’tradition’. Mwomboko introduit une réflexion sur la politique culturelle
du premier président du Kenya, Jomo Kenyatta. Nous pouvons ainsi nous pencher sur
les liens entre la danse ‘traditionnelle’, la notion d’identité nationale, la construction
d’une politique sociale et culturelle inclusive, les politiques ‘d’authenticité’, et le
tourisme.
Dans un premier volet, mon intervention présente ce projet de thèse. Elle ouvre
ensuite sur une discussion relative aux défis épistémologiques rencontrés dans la
recherche des danses du passé. Enfin, j’interroge la manière dont la danse - qui est
corporéalité, mouvement, émotion, organisation spatiale et genrée, et symbolique -
défie les méthodes des savoirs traditionnels en histoire.
séance du vendredi 19 avril 2013
« Danse contemporaine au Maghreb / Danse contemporaine maghrébine : deux catégories pour penser la contemporanéité au Maghreb »
Une réflexion sur la danse contemporaine au Maghreb nous amène à la question plus générale du corps maghrébin aux prises avec la contemporanéité. Nous proposons deux catégories pour penser cette danse : danse contemporaine au Maghreb et danse contemporaine maghrébine. Certains chorégraphes formés aux techniques contemporaines occidentales essayent de les reproduire telles quelles sur la scène Maghrébine. Ils veulent attribuer à la danse contemporaine un caractère non national, presque universel. C’est ce que nous appelons la danse contemporaine au Maghreb dans la mesure où sa pratique n’est pas assujettie au contexte culturel ou social. La deuxième catégorie, la danse contemporaine maghrébine, est un courant qui pour l’instant n’a pas encore acquis ses lettres de noblesse. Il s’agit de chorégraphes qui rament à contre courant en revisitant le patrimoine maghrébin, entre ruptures et continuités. Il s’agirait alors de penser une contemporanéité qui serait propre à l’Histoire de ces pays et un mouvement artistique qui écrira sa propre histoire dans sa singularité et sa multiplicité.
Ces catégories posent les problématiques suivantes : Peut-on parler d’un corps maghrébin contemporain dans des sociétés qui subissent la mondialisation sans participer pour autant à ses profondes transformations ? Si ce corps était pris aux rythmes d’une autre temporalité, défini par d’autres événements historiques, des stagnations et mutations qui lui sont propres, et si les
rapports de forces qui le déterminent ont longtemps méconnu les convulsions et crises de l’Occident industriel, pourra-t-on tout de même parler d’une contemporanéité qui lui serait spécifique et respecterait ses singularités ? La danse contemporaine a-t-elle été importée ou est-elle le fruit d’un processus mondial et d’une logique de mondialisation des faits artistiques et culturels ?
Les réponses à ces questionnements seront étayées par des extraits de spectacles et des propos d’artistes recueillis lors d’entretiens.
séance du vendredi 22 mars 2013
« In Utero Veritas »
Un projet de recherche-création par Biliana Fouilhoux, MCF en danse, Karin Bernfeld, docteur en Lettres et Guillaume de Delpes, Doctorant en musique
Cette performance mêlant danse et musique expérimentale s’est déroulée le 6 octobre (pour Nuit blanche) et le 12 octobre 2012 dans le cadre de l’exposition Dans le ventre des femmes (conçue et organisée par Maïa Brami) qui s’est tenue dans la galerie 59 Rivoli à Paris, du 2 au 14 octobre 2012. L’exposition était une extension de l’ouvrage du même nom, sous la direction de Maïa Brami.
Le livre Dans le ventre des femmes est un recueil de textes et de créations autour de l’utérus. Pour l’exposition, les artistes étaient invités à présenter des travaux relatifs à leur participation au livre (photographies, peintures, sculptures, performances, etc.)
Biliana Fouilhoux est danseuse et chercheuse, spécialisée en études chorégraphiques, pratiques somatiques et processus de création. Elle aborde les thématiques des idéologies du féminin, les fictions, les perceptions et les sensations en danse...
Karin Bernfeld est écrivain et comédienne. Son œuvre (Alice au pays des femelles, Apologie de la passivité, ...) est axée sur les questions du corps, des troubles du comportement alimentaire, et de l'identité sexuelle. Elle s'intéresse aux questions de féminité et de la transmission psychique et intergénérationnelle.
La démarche du projet ISO.thesis réside dans le mélange de matières en constante transformation, créant des paysages sonores contemplatifs. Aux frontières de l'ambient, des techniques de composition contemporaines et pour l'image, la musique se déploie comme un voyage dont le temps devient incertain.
http://www.youtube.com/watch?v=uPc4JZO-Lxs&feature=youtu.be
http://www.youtube.com/watch?v=uPc4JZO-Lxs&feature=youtu.be
séance du vendredi 22 février 2013
Giorgio de Martino, giorgio_de_martino(at)hotmail.com
« Qu’est ce que le Devakooth ? Quels sont ses gestes dansés ? »
Cette danse rituelle féminine, qui est aussi un culte, et qui a lieu une fois tous les deux ans, se situe dans l’univers du Teyyam. Ce dernier est une performance keralaise (Inde du sud) de transe-possession immergée dans un parcours de transformation, de commercialisation et de globalisation qui a commencé dans les années 70.
Le mot possession, comme transe, chaman et plusieurs autres mots fourre-tout, est souvent utilisé pour donner une idée générale d’univers "autres" difficiles à cerner et à imaginer. Le Teyyam est pratiqué seulement dans certains villages dans le nord du Kerala, dans les districts de Kannur, Kasarghod, Wayannad et Calicut.
Performance rigoureusement masculine, où les hommes jouent aussi les rôles féminins, le Teyyam comprend seulement une danse interprétée par une femme : le Devakooth. Considérée comme une performance sans possession, donc un "non-Teyyam", le Devakooth peut être pratiqué seulement par des femmes ménopausées. La danseuse doit être choisie parmi des familles qui sont dépositaires de certains rôles du Teyyam. Elle va apprendre, et montrer, entre autres éléments, les gestes liés à la légende qui aurait donné naissance à cette danse.
Ambujakshi, unique élève de Lakshmi Amma (interprète du Devakooth jusqu’en 2010) qui l’aide pendant sa performance
séance du vendredi 18 janvier 2013
Bruno Traversi, doctorant en philosophie – université Paris Ouest Nanterre, bruno.traversi(at)univ-lille3.fr
« Proprioception et transcendance. Étude du geste spontané dans la danse Kagura Mai »
Nous nous proposons de présenter une étude de la fonction des sensations proprioceptives dans le surgissement du sentiment d'un agir impersonnel lors du Kagura Mai – forme de kagura, danse extatique japonaise. Notre réflexion s'appuiera sur plusieurs témoignages recueillis lors de l'atelier "Intermède pour sorcières" qui constitue une reprise contemporaine de cette danse traditionnelle.
Comment les sensations proprioceptives indiquent-elles non pas un "je" mais un "ça", c'est-à-dire non pas un centre égologique mais un centre impersonnel s'opposant à la volonté des sujets au point de les contraindre selon une gestuelle ordonnée géométriquement ?
Nous ferons l'hypothèse d'une dimension transcendante de la proprioception ordinairement voilée.
séance du vendredi 14 décembre 2012
Simone Paterman, Laboratoire d’Etudes et de Recherches sur les Logiques Contemporaines de la Philosophie (LLCP), Laboratoire Pratiques et Théories du Sens - Paris VIII- Saint Denis, spaterman(at)gmail.com
« Mouvement total : le geste du danseur comme espace ultime de liberté »
Plutôt qu'un détachement, la liberté est pour Bergson un ancrage à une dimension autre de la temporalité, insaisissable par la pensée occidentale : celle d'un "jaillissement de nouveauté imprévisible".
Le geste improvisé du danseur évolue dans cette immédiateté qui échappe souvent aux mouvements cristallisés par nos habitudes quotidiennes ; à l’intérieur de son corps, le danseur inaugure de nouveaux modes de sentir et d’appréhender le temps ; en élargissant le champ du sensible, il induit des formes nouvelles de subjectivité politique.
À partir de l’analyse de trois scènes du film Pina, de Wim Wenders (2011) nous allons mobiliser les idées d'Henri Bergson, Jacques Rancière, Marie Bardet et José Gil afin d'approcher la dimension politique du geste du danseur en ce qu'il reconfigure les limites du sensible, et crée un nouvel espace de liberté.
séance du vendredi 15 juin 2012
Laura Silvestri, doctorante en anthropologie sociale et ethnologie, co-tutelle de thèse Università degli Studi di Torino (Italie) / EHESS, silvestrilau(at)yahoo.it
« Beauté en action : du combat au geste artistique »
L’art martial kalarippayatt, tout en n’étant pas une danse, est promu au Kérala (Inde) en tant que "performing art", au même titre que de nombreuses formes dansées de théâtre et de rituel. Les théâtres kathakali et kutiyattam, et les rituels du teyyam et du patayani, n’en sont que quelques exemples.
Dans cette perspective, c'est la valeur esthétique de ces savoirs qui est soulignée, alors que la fonction religieuse, dans le cas des rituels, ou la violence sous-jacente, dans le cas de l'art martial, passent à l'arrière-plan. Parmi ces arts, le kalarippayattu est celui qui rencontre le plus grand succès international, dû d'une part à son côté sportif, d’autre part à l'intérêt qu'il éveille parmi des danseurs et des acteurs, en Inde comme en Occident. Ceux-ci peuvent y puiser des éléments chorégraphiques, mais aussi l'utiliser pour améliorer leur préparation technique.
En examinant les gestes des pratiquants dans des contextes différents, nous allons voir comment des techniques corporelles locales, emblèmes d’un esprit régional, sont relues (ou ré-agies) comme emblèmes cosmopolites.
Giorgio De Martino, M2 département de théâtre de l'université Paris 8, giorgio_de_martino(at)hotmail.com
« Art et rituel, culte et performance, geste et possession : où va le Teyyam du Kerala ? »
Le Teyyam du Kerala était une "danse du diable" pour les missionnaires et les colonisateurs, et pour certains il l’est encore aujourd’hui. Pratiqué par des experts de basse caste dans un groupe de villages au Kerala, en Inde du Sud, c’est une performance spectaculaire où, selon la tradition, le danseur peut être "possédé" par un éventail assez important de personnages : héros, dieux, esprits des lieux, êtres divinisés, malemorts, etc.
Entre médiumnité et chamanisme, transe et possession, le Teyyam est fortement lié à un contexte culturel particulier. Cependant, selon l’approche avec laquelle on choisit de regarder les exhibitions de Teyyam, les gestes des performers peuvent prendre des sens très divers. Pour autant, serait-ce possible, pour un acteur occidental en quête d’expériences qui puissent enrichir d’une façon profonde son entraînement, de s’engager dans un apprentissage du Teyyam?
séance du vendredi 25 mai 2012
Claire Buisson est chorégraphe à l'intérieur du collectif dolce punto (D_P) et chercheuse en danse à l'université de Lille 3. Sa démarche porte sur la corporalité, comme réalité quotidienne, sociale, poétique et performative. Elle explore un territoire corporel transformable, polymorphe qui s’émancipe des limites et des codifications. Son approche vise à révéler les normes qui constituent notre réalité, pour s’en saisir avec inventivité. Son projet actuel d'installation-performance "je suis un poumon" est programmé en janvier 2013 au festival Vivat la Danse au Vivat-scène conventionnée d'Armentières.
« L'objectivation du geste comme processus de subjectivation »
Je cherche à saisir en quoi la matérialité du geste dans le travail performatif peut devenir un territoire pour une expérience subjective libératoire.
Objectiver le geste, le dépsychologiser pour atteindre une matérialité du geste. Que devient alors le statut du sujet, du corps, du corps-sujet ? Que se joue-t-il dans cette dépsychologisation du geste ? Est-ce une perte du sujet ou au contraire un déplacement de la modalité d’être de la subjectivité ?
Objectiver le geste serait en fait une manière de performer la subjectivité et constituerait une processus de subjectivation.
Comme l’ont mis en avant les travaux des communications studies (notamment E. Goffman, et ses travaux sur la communication non verbale), notre être est présent dans nos gestes et nos postures. Aussi aborder la production du geste par rapport à « la subjectivité corporelle », révéler la réalité corporelle des individus et des rapports humains, devient un territoire pour la construction d’identités diverses, et singulières.
séance du vendredi 6 avril 2012
Sabina Rossignoli, doctorante en anthropologie à l'université Paris Descartes, travaille sur les aspects transnationaux de la danse et sur la distinction (au sens bourdieusien) et la socialité dans les boîtes de nuit antillaises de la région parisienne, sabina.rossignoli(at)gmail.com
« off-stage et on-stage : catégories fluides de la performance »
Il est minuit d’un samedi soir d’automne, dans la banlieue parisienne sud. Dans le grand parking de la boîte de nuit l’Acropol, des groupes de femmes se maquillent, enfilent des talons hauts sur les sièges arrière de leurs voitures. C’est l’anniversaire d’un dj coté de la vie nocturne antillaise et trois mille personnes sont attendues pour le célébrer et assister aux showcase d’artistes dancehall de la Caraïbe française. Ces femmes ajustent leur style vestimentaire à la performance qui suivra au fil de la nuit, la performance du corps sur scène et sur la piste de danse.
Depuis les années 1970, les études subculturelles ont consacré leurs efforts aux styles vestimentaires et aux goûts musicaux des jeunes de la nuit. L’approche bourdieusienne de la distinction a été, dans ce cadre, cruciale pour définir l’importance du capital culturel dans les cultures de la jeunesse. Par contre, peu d’intérêt à été porté à la distinction dans le cadre des pratiques du corps dans ces cultures de la nuit. La vie nocturne antillaise en région parisienne, et particulièrement les pratiques de sociabilité au sein de ces boîtes de nuit, restent des sujets à explorer en anthropologie de la danse.
La compétence dans la danse assure un statut surtout aux femmes, qui ont peu de place dans une industrie culturelle dominée par les hommes. La mise en scène du corps dans l’espace semi-public de la boîte met en relation les nécessités de la respectabilité avec le désir d’émerger par la sensualité. Dans cette perspective, les femmes engagent des codes corporels différents et parfois conflictuels selon la place qu’elles occupent dans l’espace. Cette présentation vise à déchiffrer les motivations de ces femmes et les enjeux de la nuit, en les inscrivant dans la structure socio-économique de l’industrie de la vie nocturne antillaise.
Karen Turman, doctorante en littérature française à l’Université de Californie, Santa Barbara (thèse intitulée « The Marginality Behind the Marginality : Gypsies and Jazz Performers in Bohemian Paris »), karen.turman(at)gmail.com
« La danseuse bohémienne et la danseuse de jazz : deux figures marginales qui se croisent dans le mouvement »
Au dix-neuvième siècle, la bohémienne fait l’objet d’une sensationnalisation dans la littérature et l'art français. Cette figure exotique que l’on trouve en Europe depuis le 15ème siècle, émerge en effet sous sa forme mythique dans les oeuvres romantiques, représentant un modèle de liberté, d'émotion pure et de souffrance se transformant en performance joyeuse.
Un siècle plus tard, elle représente encore l'exotisme, une nature érotique, et la marginalité, en même temps qu’elle apparaît liée à une forme particulière : l'improvisation.
L’introduction en France de la danseuse de jazz dans les années 20 bouleverse, d’une façon similaire mais nouvelle, le public français. Ces deux figures jouent un rôle dans le développement des mouvements artistiques au dix-neuvième puis au vingtième siècle.
En s’appuyant sur des extraits littéraires, on soulignera les parallèles existant entre les représentations de ces deux figures de danse vernaculaire afin de montrer le recyclage artistique de leur marginalité.
séance du vendredi 16 mars 2012
Bénédicte Jarrasse, agrégée de lettres, actuellement doctorante en littérature comparée (5ème année) avec une recherche portant sur l'imaginaire de la danse au XIXe siècle (1830-1870), benedictejarrasse(at)yahoo.fr
« Le ballet romantique français au miroir du feuilleton : entre chronique du temps présent et construction légendaire »
Le ballet connaît au XIXe siècle un renouvellement esthétique notable, qui touche parallèlement l'ensemble des arts de la scène. La presse, en pleine explosion, se fait le relais des nouveaux spectacles qui s'offrent au regard du public. Des écrivains réputés - Gautier, Janin, Nerval... - participent non seulement à la promotion "quotidienne" de cette forme, mais contribuent aussi à en forger l'imaginaire.
Par-delà les contraintes inhérentes au genre, des images se font jour dans leurs écrits, d'autant plus lisibles lorsqu'on envisage le feuilleton non pas simplement de manière ponctuelle, comme une simple chronique de l'actualité du spectacle et des engouements d'une société mondaine, mais de manière séquentielle, sur la longue durée. Le dire de la danse romantique apparaît alors moins lié à la forme, demeurée hybride, qu'à la figure qui l'incarne et la résume, en l'occurrence celle de la danseuse principale. En consacrant le mythe de l'âge d'or du ballet, il contribue ainsi à construire une légende de la danse, qui participe parallèlement de sa légitimation sociale et esthétique.
Cette réflexion pourra être étendue à d'autres "formes" écrites et iconographiques (galeries dramatiques, histoires "fantaisistes" de l'Opéra...) très en vogue à la même époque.
conférence le vendredi 17 février 2012 à 19h
En écho à l'exposition Danser sa vie
Anne Creissels, Philippe Guisgand
« Étranges corporéités. Réflexions croisées à partir de 100% polyester, objet dansant n°(à définir) de Christian Rizzo et Caty Olive (1999) »